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Il Mart di Rovereto presenta una serie di capolavori di Edward Hopper, Georgia O’Keeffe, Jackson Pollock, Mark Rothko. Una selezione di opere mai vista in Italia, con i capolavori di grandi protagonisti della pittura americana. É quella proposta da “Arte americana 1850-1960. Capolavori dalla Phillips Collection di Washington”, la grande mostra che sarà visitabile al Mart di Rovereto dal 5 giugno al 12 settembre 2010.  

Dopo il grande successo della mostra “Da Goya a Manet, da Van Gogh a Picasso”, che nel 2005 ha portato a Rovereto i capolavori dell’arte moderna della Phillips Collection, il Mart, con questa esposizione, continua la sua collaborazione con la prestigiosa istituzione di Washington. L’appuntamento è rivolto a diffondere una conoscenza più approfondita dell’arte americana in un arco storico, dalla seconda metà dell’800 secolo ai primi sessanta anni del ‘900, ancora poco noto al grande pubblico.

“Arte americana 1850-1960”, a cura di Susan Behrends Frank e Gabriella Belli, presenta alcuni capolavori di artisti come Edward Hopper e Georgia O’Keeffe, pionieri di un originale stile americano, che tagliò orgogliosamente i ponti con la cultura europea.

In mostra sono presenti oltre cento opere con capolavori di artisti quali John Sloan, Arthur Dove, Stuart Davis, Adolph Gottlieb, Philip Guston, Jackson Pollock, Robert Motherwell, Clyfford Still, Mark Rothko.
La completezza della mostra è resa possibile dalle caratteristiche uniche della Phillips Collection di Washington. Questa raccolta fu la prima, negli anni Venti del Novecento, ad acquisire ed esporre il modernismo e l’arte astratta, e conquistò una rilevanza internazionale con l’acquisizione di grandi capolavori dell’arte europea.

Ma il collezionista, Duncan Phillips, promosse anche con grande lungimiranza le produzioni e le acquisizioni di arte americana, dagli anni Dieci fino alla morte, nel 1966. Questo collezionista appassionato attribuì sempre la propria personale evoluzione critica alle lezioni apprese dai pittori americani. La collezione del museo riflette un gusto personale, e presenta quindi molte opere degli artisti più amati dal collezionista, come Arthur Dove o John Marin.

Nel suo complesso, la Phillips Collection incarna un progetto – esplicito già all’atto di fondazione, nel 1921 – riassunto in questo modo dalla curatrice del museo Susan Behrends Frank: “l’impegno di una vita per assemblare una collezione della miglior pittura americana che tutti potessero vedere e apprezzare.”

Il confronto è dunque l’occasione per un’inedita e documentata riflessione sui complessi percorsi che hanno portato la pittura americana a trovare una strada autonoma rispetto alla tradizione europea. Un’evoluzione verso la modernità che in seguito, dopo la seconda guerra mondiale, ha assegnato alla produzione statunitense un ruolo di riferimento incontrastato per tutta l’arte internazionale.

LA MOSTRA

Il percorso espositivo prende le mosse con una sezione intitolata “Romanticismo e Realismo”, in cui sono presentate le opere di quegli “antichi maestri” d’America come George Inness, Winslow Homer, Thomas Eakins, Albert Pinkham Ryder, e James Abbott McNeill Whistler, nei quali Duncan Phillips aveva individuato le radici della modernità nella pittura americana.

L’impressionismo negli Stati Uniti è testimoniato da Childe Hassam e soprattutto da Maurice Prendergast e John Henry Twachtman, collezionati ampiamente da Phillips e decisivi nella transizione del suo gusto verso l’astrattismo. “Grazie all’enfasi sulla composizione sugli schemi, sui rapporti cromatici e sulla bidimensionalità che caratterizzava le loro opere – scrive Susan Behrends Frank – Phillips fu pronto ad accogliere una nuova generazione di modernisti americani.”

I dipinti di John Marin, come “ Weekhawken Sequence, No. 30”, (circa 1916) documentato nella sezione della mostra“Forze della natura”, impiegano un originale linguaggio astratto per evocare le forme naturali; Phillips scoprì Marin nel 1926 nella galleria newyorchese di Alfred Stieglitz, e fu il primo a impegnare il nome di un’istituzione per una personale di questo artista, nel 1929. Come documentato in catalogo dal testo di Elisabetta Barisoni, la Biennale del 1950 presentò una grande monografica di Marin con oltre cinquanta opere, di cui otto in prestito dalla Phillips Collection. Duncan Phillips fu l’autore del testo su Marin nel catalogo della Biennale, e si espresse in questi termini:“Nel suo ottantesimo anno John Marin dipinge ancora con forza, con entusiasmo e con originalità di colore e di disegno maggiori di quelli di ogni altro artista americano”.

La frequentazione della galleria di Stiegliz, per Phillips, fu di enorme importanza. In quel contesto scoprì anche le opere di Arthur Dove e Georgia O’Keeffe, protagonisti in mostra della sezione “Natura e Astrazione” con opere come “Pattern of Leaves” (1923) o “My Shanty, Lake George” (1922) della O’Keeffe o “Red Sun” (1935) di Dove. “Sunday” (1926) di Edward Hopper è il fulcro di una sezione intitolata “Tempi Moderni”. Questa tela è stata una dei primo dipinti dell’artista ad essere stato acquisito da un museo americano.

“La città” è una sezione particolarmente affascinante, che documenta un aspetto fondamentale e peculiare del modernismo americano. Le atmosfere della metropoli sono interpretate da neocubisti come Stefan Hirsch, dal realismo urbano di John Sloan, tra i protagonisti della “Ashcan school”, ma soprattutto da Edward Hopper (“Avvicinandosi a una città”, 1946) e da Charles Sheeler, il cui olio “Grattacieli” (1922) – uno dei capolavori di questa sezione – fu acquistato nel 1925 da Phillips, conquistato dalla “essenza emotiva della visione distorta dei grattacieli per uffici di New York”. Particolarmente suggestiva le fotografie di Paul Strand, Berenice Abbott e Margaret Bourke White.

Anche “Memoria e identità”si confronta con un tema radicalmente americano. Pittori come John Kane, Horace Pippin, Jacob Lawrence, a ridosso della Grande Depressione dipingono le migrazioni verso il nord degli Stati Uniti, la vita nei sobborghi e l’epopea del jazz, documentando vicende e spazi urbani poco conosciuti spesso anche in patria. “L’eredità del cubismo” è il tema di un excursus tematico che comprende opere di Karl Knaths, John Graham, e Stuart Davis, le cui composizioni fatte di linee e forme di colore piatte risentono degli influssi non solo di Picasso, ma anche di altri esponenti del modernismo europeo, come Henri Rousseau, Georges Braque e Matisse.

Anche in questo caso, è da sottolineare l’impegno di Phillips in chiave internazionale. L’opera di Stuart Davis “Frullino sbattiuova n.4”, del 1928, presente in questa sezione, fu prestata da Phillips alla Biennale del 1952, insieme alla già ricordata tela di Hopper “Avvicinandosi a una città”. Nella stessa occasione Alexander Calder, che Phillips stava cominciando a collezionare, vinse il premio della Biennale per la scultura.

La linea espressiva dell’astrazione si sviluppa secondo forze che provengono appunto da “esuli” come Alexander Calder, o anche da pittori come Milton Avery, considerato dai critici “il Matisse americano”. Corrono in parallelo le personalissime rielaborazioni del surrealismo europeo che emergono negli esordi di Mark Rothko e Jackson Pollock.

Negli anni del secondo dopoguerra, la cultura artistica Americana assunse un’identità più radicale con l’Espressionismo Astratto, grazie a numerosi autori di grande autonomia espressiva, impegnati ad esplorare un’arte fatta di simbologie private e calligrafismi a cui era affidato il compito di far affiorare il subconscio. I “pittogrammi” di Adolph Gottlieb, ad esempio, nascevano da un interesse per l’arte tribale africana e per quella dei Nativi Americani, mentre l’opera di Robert Motherwell va letta come una metafora dei pensieri e sentimenti dell’artista. Anche per Mark Rothko la pittura era un veicolo per l’espressione di passioni interiori, come nel capolavoro “Untitled” del 1968, mentre le tele di Philip Guston e Sam Francis si caratterizzano per astrazioni di colore espressive e luminose.

La Phillips Collection è nata dall’intuizione di un connoisseur che per sessant’anni ha cercato di svelare l’arte americana ai suoi stessi connazionali. La mostra è un’occasione senza precedenti in Italia per rivivere questa scoperta attraverso le opere di tutti i suoi protagonisti.

MART Corso Angelo Bettini 43 tel. +39 0464438887 , +39 0464430827 (fax), 800397760
info@mart.trento.it http://www.mart.trento.it orario: mar. – dom. 10.00 – 18.00 ven. 10.00 – 21.00, lunedì chiuso, biglietti: intero: euro 10, ridotto: euro 7, gratuito fino a 18 anni e sopra i 65, scolaresche: euro 1 per studente, biglietto famiglia (valido per tutti i componenti di un nucleo famigliare): euro 20, gratuito per gli Amici del Museo.

Evento segnalato dal sito web: http://www.exibart.com

La mostra, racconta con una narrazione multimediale e interattiva, in dialogo con un percorso di approfondimento archelogico dedicato al Tirreno, un viaggio attraverso il Mediterraneo per assaporare sensorialmente atmosfere, suoni, arti e mestieri dei paesi e dei popoli che lo hanno nel tempo abitato e percorso. Un itinerario nei sensi e nei luoghi del Mediterraneo, area geografica, la cui condensazione di segni trae origine dallo straordinario e tormentato fascino del suo territorio, ma anche dalla antica ricchezza delle sue culture e dalla mescolanza di razze, religioni, costumi rappresentate nei suoi popoli. Questa peculiarità riesce in modo sorprendente a far emergere sopra un temperamento vulcanico, fatto di conflitti e tragedie, diversità e antagonismi, la bellezza e il sorriso, la familiarità e la naturalezza. Un'arte del vivere che può essere messa a disposizione del mondo intero. Materie, suoni, colori, odori, gesti, processi e relazioni, accostati in insiemi, generano paesaggi, formano scenari che divengono attivi: sono videoinstallazioni, dispositivi interattivi che utilizzano la tecnologia come linguaggio per favorire la partecipazione dello spettatore e il suo coinvolgimento. Mappe, antiche carte e rare rappresentazioni del Mediterraneo, accostate a pezzi originali, reperti archeologici e preziosi documenti, che dialogano con le installazioni multimediali, ci fanno ancor più comprendere l'importanza di quell'area geografica e focalizzando l'attenzione sul Mar Tirreno, ne evidenziano la centralità come teatro di scambi, di merci e di saperi. Il tutto nell'ottica propositiva che "il Mediterraneo è un divenire, una speranza non solo una radice" (Adonis).

La mostra è curata e realizzata da Studio Azzurro, uno dei più importanti gruppi internazionali di video arte. Il percorso della mostra si avvale della collaborazione del Museo di Archeologia Ligure e della Sezione di Conservazione della Biblioteca Berio, in particolare quello dedicato al Tirreno, si inserisce nel Progetto Transfrontaliero Marittimo Italia – Francia "Epistemetec" con il contributo della Provincia di Cagliari.

PERCORSO

La mostra, che è stata inizialmente realizzata con il contributo di Hermés Parigi, si è ampliata con nuove esperienze e ora si sviluppa attraverso un percorso che comprende 6 stanze, 3 spazi e 2 ambienti. Nelle 6 stanze si propongono altrettanti paesaggi con istallazioni multimediali e interattive e la presenza costante di un cavalletto fotografico è la metafora che indica l'elaborazione narrativa e visiva di Studio Azzurro. Pezzi originali, reperti archeologici e preziosi documenti, dialogano con le installazioni multimediali per focalizzare l'attenzione su quella culla di civiltà che, nel Mediterraneo, fu il Mar Tirreno. Nei 3 spazi, fra cui la Cappella Dogale, antiche testimonianze raccontano elementi fondamentali dello spirito e dell'economia delle culture tirreniche, seguendone intrecci, corsi e ricorsi attraverso i millenni. Nei 2 ambienti finali si sviluppano delle narrazioni attraverso suoni e filmati.

Una prima area ci introduce a un'idea di Mediterraneo come luogo di interscambio e di culture diverse, che nel tempo si sono formate, incrociate, contaminate, dando luogo a un sentire comune, pur mantenendo gelosamente le proprie caratteristiche. In questa sala, due mappe reinventate del bacino mediterraneo, proiettate su grandi schermi, invitano il visitatore a capire e a intraprendere il viaggio che è stato fatto. Ricostruiscono visivamente le correnti dei venti, fecondatori inconsapevoli di terre, comparandoli ai flussi migratori di popoli e delle genti, avvenuti nelle varie epoche. Accanto alle mappe di oggi ecco il Mediterraneo delle mappe antiche che lo raffigurarono dapprima come la totalità del mondo conosciuto (l'Atlante Luxoro, raro atlantino medievale di scuola cartografica genovese, e la carta di Jacopo Maggiolo, dell'inizio del Cinquecento, dalle raffinate decorazioni splendenti di oro e porpora), poi come parte di un mondo sempre più vasto che abbracciava nuovi spazi via via che questi venivano scoperti: dal planisfero della Geografia di Tolomeo al Teatro del Mondo di Ortelio, dal primo atlante vero e proprio risalente a Mercatore agli atlanti settecenteschi modernamente essenziali e sempre più accurati.

STANZE

Il vento porta i profumi. Terre, rocce e risorse

Scenari naturali, campi coltivati, messi mature, distese di lavanda, e altro ancora sono i paesaggi del sud della Francia, che ci appaiono su due grandi schermi. Venti che soffiano, efficaci impollinatori, modellano i territori, portano odori e profumi e come enormi insetti anch'essi fischiano e sibilano. Una piccola rete posta al centro di un cavalletto fotografico intrappola uno sciame d'api virtuale. Toccandole, le api svolazzano sugli schermi e con i loro piccoli spostamenti, accompagnati da sibili e ronzii, modificano continuamente i paesaggi. Nella sala la rappresentazione cartografica della Provenza dell'Atlas universel, un atlante francese del Settecento, dal tratto asciutto, ma ricco di particolari.

Dietro gli scenari le risorse naturali - terre, rocce, minerali, coloranti e materie prime - che da millenni segnano il paesaggio umano del Tirreno. Marmo, ardesia, ocra, metalli e pietre rare furono il risultato di ricerche accanite e lavorazioni sapienti da cui nacquero, migliaia di anni fa, i primi simboli, i primi edifici, i primi tesori.

L'acqua si ferma nel sale. La flotta più antica

Il mare si trasforma e si ferma nel sale, visto come metafora di ciò che conserva e di ciò che corrode; paesaggi trasparenti e cristallini, ma anche relitti arrugginiti arenati sulla battigia. Il mare di paesaggi straordinari e inviolati e quello popolato da corpi che si agitano tra urla e risate, da rifiuti abbandonati.

In questa sala, su una piccola lastra centrale scorrono immagini video di luoghi affollati da turisti e gente di ogni tipo. Avvicinandosi l'immagine sparisce e su due schermi retrostanti, di grandi dimensioni, si mettono a fuoco vari scenari nella loro integra bellezza: i litorali della Grecia, le grandi saline, l'isola di Zante e le innumerevoli memorie archeologiche. Nel percorso cartografico sono presentate le due rappresentazioni più antiche dell'isola di Zante, da due celebri Isolari (atlanti di tutte le isole del mondo) pubblicati nel Cinquecento da Benedetto Bordone e da Tommaso Porcacchi.

Rarissimi bronzi e un'ancora in pietra ci restituiscono la flotta più antica: navicelle dal fondo piatto o curvo che hanno percorso le rotte marine dalla Sardegna verso oriente ed occidente, con i loro carichi di ceramiche, metalli, persone, idee.

La terra genera l'aria: gesti tra uomini e divinità

Tre grandi schermi verticali formano un'istallazione ascensionale che propone l'idea del vulcano, in particolare del Vesuvio. La materia lavica incandescente salendo svapora, diffondendo immagini e suoni del territorio campano.

Il visitatore, percorrendo una passerella di legno che conduce all'istallazione, determina con la vibrazione dei propri passi il cambiamento e la sovrapposizione di queste immagini. Accanto all'energia che il vulcano propaga c'è la devastazione. E' l'orribile accostato al bello, il bello all'orribile, moto che sta anche dentro gli uomini del Mediterraneo e le figure di Pompei di uomini, donne e bambini, rese straordinarie statue di gesso, racchiudono tutto il cerchio di questa contraddizione.

Una straordinaria incisione colorata a mano dall'Atlante di tutte le città del mondo di Georg Braun e Franz Hogenberg raffigura i Campi Flegrei come erano alla fine del Cinquecento. I reperti archeologici mettono in luce le relazioni tra umano e divino, tra il terrore di pericoli infiniti e la serenità conquistata attraverso gesti e rituali perpetuatisi, in

Sardegna, tra i templi protostorici e le chiese cristiane.

I modelli votivi di nuraghe, le figure bronzee di capi, guerrieri, sacerdotesse, offerenti e supplici e gli ex voto dai santuari, soprattutto costieri in cui per secoli i fedeli hanno chiesto guarigione e protezione a divinità indigene poi assimilate a quelle mediterranee, documentano l'intreccio dei culti ma anche le speranze dei malati e le loro attitudini di preghiera e scongiuro. Gesti ed ex voto che ci sono immediatamente familiari e comprensibili, in una continuità che, attraverso i santuari medievali, giunge sino a noi.

La luce scrive il vuoto. Paesaggi agrari e commerci scomparsi

La luce svela nel vuoto del deserto le sue infinite metamorfosi, e il deserto, come il mare, appare come una grande lavagna, su cui con un moto pacato ma inarrestabile, scrive il suo romanzo infinito e lo cancella.

Superando delle soglie di luce, in questo nuova stanza, avanzando lentamente ci vengono incontro visioni del deserto libico, delle rovine romane di Leptis Magna, di Cirene, Sabra e infine di Ghadames. Piano piano le immagini si ingrandiscono fino a evidenziare particolari nascosti. Dalle immagini in movimento alla carta dell'Africa settentrionale, un po' ingenua e sovraffollata di particolari com'è tipico delle carte medievali, in due edizioni della Geografia di Tolomeo della prima metà del Cinquecento.

Le anfore africane sono quasi onnipresenti nel Mediterraneo occidentale: grazie a loro conosciamo l'antica fertilità delle regioni nord africane oggi desertiche e quanto fossero trafficate le rotte tirreniche lungo le quali cereali, frutti, vino e olio d'oliva raggiungevano Roma, Genova, la pianura padana e l'Europa.

Il colore si annoda al suono: Marocco

In questa stanza un tappeto virtuale, 4mt per 6mt, se calpestato da uno o più visitatori fa emergere a poco a poco ciò che nasconde: le antiche vestigia di Volubilis, i conciatori di pelle di Fes, i Suq brulicanti di persone, le innumerevoli mercanzie esposte. Un'immensa tavolozza di forme e colori, di persone, di gesti e di suoni, che intrecciandosi tra loro, creano la trama di un tessuto fatto di relazioni, scambi e affetti che compongono famiglie, amicizie, tribù, etnie e popoli.

Tracce di antiche civiltà e popoli si possono ritrovare percorrendo la carta del Marocco contenuta nella monumentale opera dei grandi cartografi olandesi, Willem e Joan Blaeu.

Lo sguardo insegue la memoria: Siria

L'istallazione presentata in questa stanza è composta da due piccoli schermi contrapposti e tra questi ne sono collocati altri due, trasparenti e di grandi dimensioni.

Sequenze video di occhi dormienti, che appartengono a personaggi del luogo, bambini, giovani, donne e anziani scorrono sul primo piccolo schermo, all'unisono con immagini di occhi di antiche statue proiettate su quello uguale e retrostante.

Scelto uno di questi personaggi, i suoi occhi si aprono e interagendo con il visitatore in una sorta di dialogo visivo, mettono in movimento gli scenari sui grandi schermi. Appariranno molte immagini, tra cui il sito archeologico di Palmira, antica città romana, le Città morte bizantine, Serjilla e poi Ugarit, Ebla, Apamea, Aleppo e le antiche norie di Hama, fino a toccare l'Eufrate a Dura Europos al confine con l'Iraq.

In una Geografia di Tolomeo dell'inizio del Cinquecento una silografia della Siria fa scoprire al visitatore nei nomi stampati accuratamente in rosso e nero luoghi e città di antica memoria.

SPAZI ESPOSITIVI

La mostra si sviluppa ora attraverso un racconto non più virtuale, fatto di oggetti, di testimonianze materiali che arricchiscono con nuove suggestioni il percorso fatto, introducendo il visitatore in un'area mediterranea più circoscritta, quella del Tirreno con specifici riferimenti a Genova.

Rotte tra Tirreno e Mediterraneo

Merci e tesori sono raccolti e ordinati come fossero appena scaricati da una delle imbarcazioni che solcarono le rotte del Tirreno. Asce in giadeite, lame in ossidiana, lingotti, armi e gioielli, vasi preziosi e reliquie precedono i simboli della ricchezza di Genova e della sua potenza marittima: le monete.

Genova, città di mercanti e centro di traffici e scambi che si estendevano in tutto il Mediterraneo, è stata capace di costruire una cultura mercantile che ha lasciato testimonianze uniche, come i contratti notarili più antichi del mondo, manuali per imparare l'arte del commercio, leggi e decreti per regolare il mondo mercantile.

Voci e immagini del sacro

La voce di un muezzin che prega accompagna le manifestazioni del sacro nel Mediterraneo e nel Tirreno illustrate attraverso i due elementi iconografici più antichi: le statuine femminili e i tori.

Madri Mediterranee e la Madonna Regina di Genova

La Cappella Dogale è il luogo emblematico scelto per restituirci il senso è il valore simbolico che la "Mater" ha avuto nella cultura mediterranea. La statua della Madonna Regina di Genova posta sull'altare della Cappella, la Mater Matuta e le Madri di Capua ripropongono le contaminazioni e mescolanze tra antichità classica e mondo cristiano che caratterizzano la sfera del sacro nel Mediterraneo e nel Tirreno. La Madonna fu proclamata regina di Genova nel 1637. Da allora sull'emblema della città venne posta una corona reale, come nel magnifico volume manoscritto in cui sono raffigurati gli stemmi delle famiglie nobili genovesi.

AMBIENTI

Questi ultimi ambienti sono dedicati al saper fare e alla grande sapienza contenuta negli antichi gesti e al racconto in immagini video dell'attualità sociale e politica del Mediterraneo.

Gli artigiani

Filmati montati su piccoli schermi fanno vedere particolari di fasi di lavorazioni manuali, accompagnate sempre dai suoni che vengono emessi. Cinquantaquattro artigiani, di tutti i paesi visitati, che con il movimento delle mani modellano la materia trasformandola in sogno e in ritmo della storia: mani che battono il metallo, che impastano il pane, cuciono una rete, mani di uomini, che con quei gesti si relazionano con il territorio, lo trasformano, lo segnano con la loro cultura e la loro sapienza.

Un concerto di rumori, abilità e gesti ripetitivi, le cui origini si perdono nel tempo.

Il Mediterraneo oggi

Per chiudere la mostra vengono proposti molteplici sguardi che riportano all'attualità politica e sociale del Mediterraneo.

Immagini di conflitti, divisioni, disastri ecologici, differenze e distanze sono raccontate con filmati di repertorio, tratti da vari TG e proiettati sul pavimento. ( Fonte: www.palazzoducale.genova.it)

Editing: Angelo Marcotti

Biglietti

Intero € 8,00

Ridotto € 6,00.

Ridotto € 3,00

Biglietti cumulativi

Prezzi Meditazioni Mediterraneo + Acquario di Genova

Intero 22 euro

Ridotto 18 euro

Ragazzi 13 euro

Scuole 11 euro

Prezzi Meditazioni Mediterraneo + Galata Museo del Mare e Sommergibile Nazario Sauro

Intero 20 euro

Ridotto 16 euro

ragazzi 12 euro

scuole 10 euro